2012年10月19日星期五

筆記2:Stephen Sondheim談歌詞




Stephen Sondheim 在多個不同訪問或演講中都談論過有關創作音樂劇歌詞的心得和特點,所討論的歌詞是指在戲劇處境中,以角色出發的歌詞。在此整合一些有趣的重點與大家分享。

1) 他認為所有寫作技巧(文學創作)都適用於歌詞,然而有兩項特點是歌詞專有:
a)與閱讀不同,在欣賞演出時,觀眾只有一次機會接收歌詞。如果觀眾聽不到,要買了唱片或閱讀歌詞時才了解歌詞,這便是問題了。
b)歌詞在演出中與音樂、服裝、佈景、角色等等共存,而且音樂本身也是非常豐富的藝術形式,因此歌詞應該要「underwritten」,要非常精簡(simple in essence)。他以Oscar Hammerstein“Oh, what a beautiful mornin’/Oh, what a beautiful day”為例,認為是非常優美的歌詞,但卻未必是最好的文學作品。

2) Hammerstein教導他在歌曲中要介紹角色,歌曲和角色的關係等,以及要視一首歌為一場獨幕劇(One Act Play)。當中必需包含三個階段:開始(Beginning)、發展( Development)及結尾(Ending)。他還給了Sondheim一項功課,要他逐步完成:1)選一個他欣賞的劇本,改編為音樂劇。2)選一個他認為不好,或可改善的劇本,改編為音樂劇。3)選一項非戲劇的作品,例如小說或故事,改編為音樂劇。4)原創他自己的音樂劇。Sondheim就憑著這份功課,後來成功獲得《夢斷城西》(West Side Story)的填詞工作。

3) Sondheim提到三位影響他最深的人及原因:
Oscar Hammerstein使他明白內容比形式及方法重要,以清晰思路填出來的歌詞,方可令觀眾明白和感受內容。他同時強調劇中第一首歌曲(Opening Number)有著決定整劇成功與否的功能。
Burt Shevelove 指出,用字要簡潔清晰有如思路明確一樣重要。千萬不要為舞文弄墨而犧牲了行文流暢。
Arthur Laurents 認為歌詞與對白一樣,要有潛台詞(Sub-text),這是對演員非常重要的幫助。

4) 在創作《夢斷城西》的過程中,Sondheim體會到填詞時有需要像劇作家一樣,要想像及安排演員在台上的走位。是以在他創作 “Company”的歌詞時,他聲稱在腦海中同時幻想好了演員的台為。他以Opening Number的第二段一個唱 “Love”字的長音為例,演員會從上層乘先降台到下層分散,並且是觀眾先次見到先降台。可惜後來因技術問題放棄了此構想。
5) 當與編劇或導演商討歌曲內容時,他發覺要求愈精確,他會愈容易下筆。例如要他交代一個故事,會比表達一個角色的一種感覺容易。決定內容後他會寫下一些有可能有用的韻或短句。另外他會喜歡從尾創作回頭,認為比較能控制一些驚喜或笑位等。


*這是Sondheim其中一個比較完整及近期的訪問,想多了解他的朋友不妨一看。(共七節,這是第三節)




另就Sondheim所講,音樂劇歌詞需要準確細緻交待角色,一首歌是完整獨幕劇,我們不妨比較以下兩首歌。大家當然可以閱讀歌詞比較,但既身為表演者,我卻認為其中一首歌因為歌詞準確並富潛台詞,使表演者可以很集中去演繹。相反,另一首歌內容相對空泛,表演者被迫要做很多外在的動作和音樂的修飾去補救。不知大家意見如何?(當然這是不公平比較,因為不同演員有不同方法演繹,而且一個是「演唱會」另一個是戲的一部份,只是參考和討論而已。)



個人感想:美國音樂劇填詞人用了百年時間,不斷改良希望觀眾可以在表演中即時感受角色的說話與情感,才有今日的成就。香港人才智過人,發明了劇場出字幕,可謂能人所不能。個人希望這只是過度階段,待香港的填詞人更加熟練粵語及口語入詞的時候,觀眾就不用再看得字幕時看不了台,可以直接從角色的口中欣賞音樂劇。


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